Fotoperiodismo:
TRABAJO:

- 2 fotografías de un hecho (NOTICIOSO) acompañada de su nota de prensa completa (antetítulo, título, sumario, cuerpo y cola) de 1 cuartilla = 25 líneas. Pueden cubrir cualquier fuente siempre y cuando sea actual y no sea una noticia rebuscada. ENTREGA: MIÉRCOLES 11 DE JUNIO

- Antecedentes del fotoperiodismo:

Podemos encontrar estos antecedentes en la fotografía de Norte America, Inglaterra, Francia... Estas primeras imágenes no tienen demasiado atractivo, pero que son importantes por su voluntad informativa. A pesar de todo fallan porque no fueron reproducidas en prensa, algo imposible técnicamente en aquella época.

En 1855, ZENTON (un inglés) nos da una visión de la guerra de Crimea, desde un punto de vista muy caballeresco del ejercito de su país.

En 1862, durante la Guerra de Secesión americana Mathew BRADY da otro punto de vista de una guerra, mostrando sus consecuencias. Sus fotografías tenían una voluntad comercial, las vendía directamente a los consumidores y también a la prensa que aunque no podían publicarlas, las utilizaban de modelo para grabados.

Entre 1870 y 80 se conquista el movimiento fotográfico. Las mejoras en obturación y emulsión permiten capturar imágenes en fracciones de segundo. Una apuesta utiliza estas posibilidades técnicas para establecer si durante la carrera de un caballo hay un momento en que este se mantiene con las cuatro patas en aire.

A finales del s.XIX de difunde diferentes usos para la fotografía: la de viajes, la de ciencia, incluso la pornográfica.

A principios del s.XX aparece el documentalismo de la mano de los periodistas escritos. Jacob RIIS la utiliza para retratar un gettho y completar así su reportaje, que finalmente publicó en su libro “Como vive la otra mitad”.

También Lewis HINE, un sociólogo, la utiliza para retratar la explotación infantil. Su reportaje sobre las minas de carbón de Pennsylvania crea una gran polémica en su época. Se le puede considerar el padre del fotoperiodismo, que queda aislado con la aparición de la prensa gráfica.

Secesionismo fotográfico

En los años 10/20 aparece este movimiento en Estados Unidos, que consiste en la ruptura de la fotografía con los valores pictóricos tradicionales. La fotografía empieza a retratar lo que la pintura no cubre o no cubre como debería. El grupo que inicia este movimiento se denomina F64 por el tipo de óptica que utilizan.

Es en estos años cuando se da el avance técnico más importante de la fotografía. Se llega a un perfeccionamiento técnico que ha permanecido casi invariable hasta nuestros días.

Eugenne ATGET, en Francia, basa su trabajo en fotografiar cosas menores, cosas que no merecerían ser fotografiadas, y lo hace de una manera sistemática.

August SANDER, en Alemania, elabora un gran proyecto en que pretende fotografiar a todos los tipos de alemanes de su época. Subdivide a la población en todas sus clases posibles y empieza a fotografiar masivamente. Hace unas fotos frontales sin intención de estilo, pero que terminan teniéndolo.

Jack Henry LARTIGUE, en cambio, basa su trabajo en la subjetividad. Realiza fotos familiares con una gran calidad para acabar convirtiendo su álbum familiar en un manual de referencia.

La Vanguardia artística

Alrededor de los 20 se cierra el debate de si la fotografía es arte o no, y la fotografía se introduce en la base de los nuevos movimientos vanguardistas. Paralelamente a la extensión de este movimiento en Estados Unidos, llega a Europa la influencia del secesionismo fotográfico, que coincide con el nacimiento del fotoperiodismo tal i como lo conocemos hoy.

La aparición del fotoperiodismo moderno

Durante la República de Weimar, coincidiendo con el breve periodo de libertad entre guerras, se da una grave crisis económica que coincide con el desarrollo técnico más importante de la fotografía. Tanto fotográficamente (emulsiones) como en impresión mejora de rotativas).

Empieza a aparecer la figura del fotoperiodista en los medios, los pioneros provenían de las clases altas empobrecidas y eso les daba una gran respetabilidad. Eric SALOMON es el más representativo de estos fotógrafos, un judío de izquierdas que hace una fotografía comprometida que le llevará al exilio con la parición del nazismo. La cámara que utiliza ya no necesita un poco manejable flash de fósforo y puede captar imágenes discretamente. A este nuevo tipo de fotografía se la llama cándida.

Es durante este periodo que aparecen los modelos de cámaras míticos. La más conocida es la LEIKA que nace como test de pruebas para cine y utiliza su misma película de 35 mm. Es una cámara rápida, silenciosa, manejable lo que la hace muy práctica y sutil, y la acaba convirtiendo en la cámara preferida de los fotógrafos.

Durante este periodo la prensa gráfica alemana se consolida como una prensa de referencia para el resto del mundo, en parte gracias a los grandes artistas surrealistas que aplican sus ideas en las publicaciones. Los colashes dadaístas son un claro referente del desarrollo vertiginoso del foto - montaje político (no exento de un cierto aire propagandístico). Destaca su uso en publicaciones como ‘A12’, detrás de la cual encontramos a George GEARSFEALD e padre del foto-montaje. Esos grandes creadores se exiliarán a USA durante la 2 Guerra Mundial, el más representativo es EISENSTEIN que creará en el exilio la revista ‘LIFE’.

Cuando llega el nazismo, la represión apaga el fotoperiodismo alemán que en estos momentos ya es un ejemplo seguido por Francia y el resto de Europa.

Paralelamente en Estados Unidos tras el crack del 29, Rossevelt utiliza la fotografía para fomentar su New Deal. Crea uno de los mayores proyectos fotográficos para documentar su plan de ayuda. Es en el 36 cuando ha aparecido ‘LIFE’ y de entre todos los que trabajan para ella, destaca la fotógrafa Margaret BURGUARE.

También destaca en este periodo de tiempo Russell WEE un fotógrafo de sucesos famoso por adelantarse a la policía.

En Alemania el nazismo también empieza a utilizar a la prensa gráfica y a utilizar elementos como la infografía. Abusa de mapas y señalizaciones en sus publicaciones para ocultar la realidad y dar a conocer la información en pos del poder político. Las batallas ilustradas como mapas de territorios tienen una forma aséptica que no despierta la ira del pueblo.

En general podemos decir que los años 20 y 30 son los del gran desarrollo de la prensa gráfica.

Consolidación del fotoperiodismo

Se considera a la Segunda Guerra Mundial como una etapa de consolidación de la imagen en la cultura de masas. Se intenta poner el ojo de la cámara en todo lugar donde haya una noticia.

Robert KAPPA que se diera a conocer en la Guerra Civil Española, se consagra como fotógrafo durante el desembarco de Normandía. Aunque durante esta guerra también destacan las fotografías de los campos de concentración, en especial los trabajos de Margaret BOURGUARE.

Eugene SMITH dio una mirada artística de la realidad, y es importante por crear una de las teorías sobre la ética en el periodismo: “No se puede ser objetivo, pero sí honesto”.

Grafismo y fotografía publicitaria

Durante los años 30 en la publicidad también se aplican los principios del surrealismo y de los nuevos valores de imagen. Incluso en las revistas de moda se hacia una apuesta visual mucho más arriesgada que la de hoy en día.

La fotografía de realidad

Durante los años 30 y 40 hay un autor muy representativo en este campo Eugene CARTIER-BRESSON. Uno de los cuatro o cinco fotógrafos más reconocidos hoy en día. Su importancia radica en su creación como fotógrafo, pero también en ser uno de los fundadores de la prestigiosa agencia MAGNUM y un gran escritor de fotografía. Es el autor de la teoría del “instante decisivo”: cada situación tiene un momento de máxima expresividad, y un fotógrafo debe estar alerta frente a la realidad para captar este momento sin dejarse ver. Este ‘instante’ no tiene solo que ver con expresiones faciales, sino también con el movimiento y las líneas de fuerza.

La agencia MAGNUM se fundó después de la 2ª GM por CARTIER-BRESSON y por Robert KAPPA, dos autores que se llevaban bastante mal pero que decidieron crear juntos una cooperativa de fotógrafos para combatir el trato que recibían de los editores. Es base a su sistema de organización aparecieron muchas otras agencias que imitaban su éxito: Sigma, Gamma... MAGNUM ha durado hasta hoy como un modelo a imitar, y hoy en dia todos los grandes fotógrafos han pasado por ella.

En los 60 todavía la puesta en página es bastante arriesgada en revistas como ‘Paris Match’, ‘LIFE’, ‘Look’.. Pero a partir de entonces hasta la actualidad se ha retrocedido mucho.

En Vietnam los medios se comportaron de forma muy distinta a la 2GM. El gobierno USA sufrió en su propia carne la libertad que dio a sus fotógrafos en la zona de combate y tras la derrota este conflicto se convirtió en un punto de inflexión en el fotoperiodismo. Se terminó con la presencia libre de cámaras en los conflictos, y la muestra más palpable es la Guerra del Golfo.

James NAXWY, fotógrafo de conflictos, es el heredero de KAPPA y su punto de vista es fotografiar las consecuencias de la guerra en los civiles: las víctimas indirectas de la guerra.

Fotografía de arquitectura, interiorismo y Arte Urbano

Actividad.-

4 fotografías en digital (tamaño 5x7 u 8x10)

1- Planos generales o abiertos donde se aprecien las texturas y/o líneas de la fotografía a nivel de arquitectura. (autopistas, edificios, plazas... etc)

1- Plano o encuadre de fotografia de arquitetura, CREATIVA.

1.- Plano o encuadre CREATIVO.- INTERIORISMO. Recomiendo visitar, centros comerciales, hoteles, night clubs (discotecas), etc...

1- Plano o enciadre CREATIVO.- Into to graffity, dentro del graffity y escribir debajo de la fotografía leyenda que refleje el sentido para ustedes que tiene el arte urbano o graffity

Debe ser entregado en cartulina negra un poco mas pequeño el cuadro que una hoja tamaño carta, para que puedan introducirlo en los sobres de manila.

Como en cualquier disciplina, lo primero y más importante es estar interesado en el objeto de nuestro trabajo y en este caso, este nos rodea y está presente en cada momento de nuestra vida, con diferentes estilos y formas. En este caso la fotografía arquitectónica y de interiores necesita de equipos, materiales y medios muy específicos, al igual que de unos conocimientos mínimos de la disciplina, aunque esto dependerá de los objetivos que nos hayamos marcado, ya sean de disfrute personal o con intenciones profesionales.

El tipo de cámara recomendado será de "gran formato", ya que nos permitirán realizar modificaciones en la perspectiva, aunque también tendremos que tener en cuenta su limitada movilidad, sobre todo a la hora de trabajar en espacios reducidos.

Las ópticas a emplear serían las de objetivo de focal más largo que sea posible en cada ocasión.
También resultan de gran utilidad aperturas máximas de diafragma y el empleo de pantallas de enfoque con retícula cuadriculada, sobre todo a nivel de composición.

La arquitectura.
La arquitectura moderna es tan diversa que nos ofrece una amplia gama de formas, diseños, texturas y colores. Los edificios se pueden transformar en modelos de imágenes abstractas, documentales, o en el trasfondo de la fotografía de moda. Esta imagen de Milton Keynes, en Inglaterra, ilustra uno de los mayores peligros que se corren cuando se intenta conseguir una fotografía “limpia”. La tapa de la alcantarilla resta valor a la prístina escena y se podría haber camuflado con una cartulina o una persiana. No es casual que la recreación fotográfica de exteriores e interiores de edificios singulares, sea una práctica cada vez más común entre los creadores, y que los artistas visuales colaboren a menudo con los arquitectos. Por otra parte, no hay probablemente mejor metáfora de la modernidad ni de sus avatares históricos que las obras arquitectónicas celebradas. Desde los inicios de la historia de la fotografía, la arquitectura ha sido el mejor aliado del artista. Por sus características físicas, los edificios –estáticos y a la vez animados por un baño de luz natural- eran un tema mucho más fiable que la figura humana. Sin embargo, la atracción de los primeros fotógrafos hacia la arquitectura se amortiguó cuando los medios técnicos permitieron abordar satisfactoriamente temas animados.

Graffiti:

Una cultura que nació en la década de los sesenta en la ciudad de Nueva York se expandió por todo el mundo. Muchos la apoyan, otros consideran que se trata de seres desadaptados que buscan llamar la atención estampando sus obras en cual fachada consigan por su paso.

Actualmente existe gran diversidad de graffitis

Zona norte.-A finales de la década de los sesenta un grupo de adolescentes de Nueva York, Estados Unidos, comenzaron a estampar sus firmas en las paredes de los barrios de la urbe. Colocaban seudónimos que ocultaran su verdadera identidad, y con los cuales serían popularmente conocidos en la calle. Así es como nace una cultura que se propagó en toda la geografía mundial.

Uno de los más populares grafiteros para la época fue Taki 183, quien en realidad se llamaba Demetrius, y el número utilizado era en referencia a la calle donde vivía. Él era mensajero y viajaba en el metro a todos lados, por lo que aprovechaba de colocar su rúbrica en cualquier lugar.

Cuando era consultado por la prensa sobre sus escritos, Demetrius contestaba: “Simplemente es algo que tengo que hacer, trabajo, pago mis impuesto y no hago daño a nadie”. De esta manera fue convirtiéndose en héroe para los jóvenes de la gran manzana, quienes deseaban imitarle. De pronto se dio un boom y cientos de chicos firmaban en fachadas de paredes y vagones. Entre los más destacados estaban Frank 207, Chew 127, Julio 204 y Bárbara 62.

Progresión

A medida que proliferaban los jóvenes firmantes, se hacía necesaria la creación de un estilo que permitiera diferenciarlos a unos de otros, por lo que comenzaron a añadir nuevos elementos a sus caligrafías e innovadores métodos de ejecución.

La elaboración de graffitis tenía un auge arrollador que parecía indetenible, hasta que a principio de los ochenta, la Metropolitan Transit Authority (MTA) de Nueva York inicia una encarnizada lucha contra estos escritores. Se implementaron medidas como instalar vallas más sofisticadas en las cocheras de los vagones del metro, recubrir las fachadas con pinturas resistentes y aumentó notablemente la vigilancia en las calles, lo que prácticamente desaparecía el arte del graffiti.

Sin embargo, a mitad de la década de los ochenta comenzó su período de supervivencia. La MTA dominaba la situación y todo parecía indicar que las firmas en las paredes se extinguirían, amenaza que se disipó cuando salió a la palestra el Hip Hop, una cultura creada por jóvenes del Bronx, quienes buscaban expresar sus problemas mediante el arte, y en lugar de competir con armas, lo hacían a través de la pintura y el baile.

Este movimiento encendió la llama que estaba apagada en los adolescentes de la época, quienes regresaron a las calles a impregnar su sello particular en las fachadas de paredes y vagones. La cultura comenzó a propagarse por todas partes del mundo, y cada vez la creatividad y las nuevas técnicas invaden más espacios.

Imagen

Una imagen es la representación óptica de un objeto.

Si se forma sobre una superficie física, como una pantalla de enfoque, se habla de imagen real. Cuando se forma en un plano del espacio y no en una superficie física se llama imagen aérea. Y cuando no puede proyectarse en una pantalla se habla de imagen virtual.

La composición de una imagen, reglas

Entre dichas normas están las relativas a profundidad o perspectiva, detalle, punto de vista, tamaño y escala, textura, forma y situación. Factores que forman un todo en la foto. No todos tienen que estar presentes en cada fotografía, pero los que participen en cada una concreta, deben hacerlo de manera conjunta.
Lo expresivo de una foto, no son los detalles, sinó su efectismo, el cual no puede tener el mismo significado para todo el mundo, porque las personas no son todas iguales, pero si es efectiva, siempre encontrará personas que sabrán valorarla en su significado.
Otro de los factores más importantes que conforman el conjunto de la fotografía, es la composición, selección y disposición de sujetos, en el área de la imagen fotográfica, dando como resultado la capacidad para comunicar algo.

Componer es crear

Componer es igual a crear. La mayor parte de las buenas fotografías han sido creadas, por tanto, si se quieren crear fotografías hay que familiarizarse con algunos principios de la composición.

La verdadera fuerza de una buena imagen radica en la combinación de un motivo y una composición vigorosa; lo que se decide dejar fuera de la imagen es tan importante como lo que se incluye en ella.

En esencia la composición es, como se ha indicado, la selección y colocación de objetos en el área fotografiada. Pero la experiencia enseña muchas cosas al respecto, cuando mire a través del visor, procure ver la fotografía que hay realmente y no otra que haya visto antes. En cambio, intente seguir experiencias nuevas y buscar las formas más expresivas de mostrarlas a los demás.

Angulación del encuadre

Un motivo puede encuadrarse desde diversos ángulos, acercándose o alejándose de éstos, desde arriba o desde abajo, las proporciones y el fondo modifican la composición.

Buscar un buen ángulo para la toma fotográfica, consiste en acechar a nuestra presa gráfica, y estar alerta de que cualquier pequeño desplazamiento de poca distancia, puede generar composiciones diferentes que serán más o menos afortunadas. En consecuencia, nos moveremos en torno a ella acercándonos y alejándonos si es posible, hasta conseguir un punto de vista adecuado y obtener en la mayor medida posible las siguientes cuatro características:

El sujeto principal de la escena debe mostrar hacia la cámara el lado que nos interesa tomar, el cual puede ser según la intención del fotógrafo, cualquiera de los muchos frentes que el tenga.

Debemos buscar el ángulo de incidencia de la luz más pertinente para el concepto que deseamos comunicar, siendo con alguna frecuencia la iluminación más apreciada, la semi-lateral, pero pudiendo ser también cualquier otra.

Los planos anteriores al motivo que queremos destacar, deben de estar limpios de cualquier otro elemento sobrante que interfieran en su visualización, u ocupados por cuerpos que más bien suplementen o resalten a este.

Y finalmente, los planos más lejanos del encuadre, deben de ser concordantes, o por lo menos, neutros, con relación a la idea que queremos expresar.

Ahora bien, al margen de lo dicho y sin entrar en contradicción con ello, los ángulos de toma se dividen en cuatro tipos, según el nivel de altura con respecto al motivo desde el cual se realicen, teniendo cada uno de estos, su connotación particular que debe ser conocida por el fotógrafo, para su utilización consciente.

Toma a nivel y en picado

Toma a Nivel

Es cuando la fotografía se realiza desde el mismo nivel del objeto tomado, ni por encima ni por debajo de él.

Sirve para mostrar o describir algo de manera "natural" u "objetiva".

Toma en Picado

Es cuando la imagen se toma desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo.

Debido a la perspectiva que se produce el motivo, se ve disminuido en tamaño cuando se utilice sobre personas puede connotar en algunos casos poca importancia, debilidad o humillación.

Toma contrapicado y toma en cenital

Toma en Contrapicado

Es cuando la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo tomado, quedando este más alto que la cámara.

Debido a la perspectiva que se genera, el objeto se aprecia engrandecido visualmente, puede en algunos casos connotar enaltecimiento, importancia o poder.

Toma en Cenital

Es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente de arriba hacia abajo, en posición perpendicular con respecto al suelo, es decir, lo más extremo posible de una toma en picado.

Produce una gráfica sin perspectiva, que puede ser muy descriptiva si se aplica a objetos pequeños, e inusual e interesante si se usa con elementos grandes.

La regla de oro y sus tres leyes

Estos principios formales de composición visual fueron utilizados de manera elemental desde la más lejana antigüedad, tanto en el Viejo Mundo como en América, como puede observarse en los murales egipcios, mesopotámicos y aztecas, entre otras culturas.

Sin embargo, las informaciones más lejanas que tenemos hoy en día sobre su teorización y sistematización se las debemos a los griegos de la edad clásica, entre los siglos V y III antes de Cristo, quienes los usaron en pintura, escultura y arquitectura.

Posteriormente, durante el Renacimiento Europeo, en los siglos XV y XVI, los grandes maestros de esa época hicieron bastante uso de estos parámetros, legándonos algunas de las más bellas imágenes que tiene el patrimonio mundial.

En los tiempos modernos han sido criticados en varias oportunidades debido al surgimiento de corrientes artísticas muy cuestionadoras, pero nunca han perdido su vigencia, siendo actualmente de uso común no solo en las artes gráficas sino también en los medios de comunicación social como la fotografía, el cine, la televisión y la publicidad.

Ley del horizonte, de la mirada y tres tercios

Pero estas leyes no son para seguirlas al pie de la letra, son normas que nos pueden ser muy útiles para comenzar a componer partiendo de ellas, y que podemos emplearlas o no según nuestro criterio y su adecuación al tema que se esta trabajando. Una buena práctica, es realizar varias versiones de una misma imagen, respetando estas leyes en unos casos y en otros no, para luego comparar los resultados.

La ley del horizonte la primera regla fotográfica

La Ley del Horizonte

Se indica, que en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente y con una afinidad, tres líneas horizontales de igual anchura, tanto si se esta trabajando en posición horizontal o vertical, y en la gran mayoría de las ocasiones, darle alrededor de dos bandas a la zona donde se encuentra el motivo principal, y más o menos una banda a la zona secundaria.

Generalmente, la amplitud de ambos espacios dependerá de la mayor o menor importancia de cada uno de estos, pudiendo ser casi iguales si la relación entre el motivo principal y el secundario no es tan desequilibrado nuestro fotograma, hasta reducirse la zona secundaria a solo un pequeño borde si el motivo principal es muy destacado.

Es importante destacar, que esta regla no solo se aplica cuando esta presente el horizonte, sino en toda imagen que tenga una línea más o menos horizontal que divida a la composición en dos espacios significativamente diferenciados.

La ley de la mirada, segunda regla fotográfica

La Ley de la Mirada

Siguiendo la pauta de estas leyes, concederemos mas o menos espacio a nuestro objetivo principal, ( el individuo, personaje o plano) según la importancia del campo que tengamos delante, siempre que sea directamente proporcional entre el valor de lo mostrado y el espacio que nos ocupa.

Regla de los tres tercios, tercera regla fotográfica

La denominada regla de los tercios divide la escena en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático.

Es posible y hasta recomendable, cuando se pueda hacer, cumplir las tres leyes de La Regla de Oro en una misma fotografía, pues estas no solo son perfectamente compatibles entre sí, sino también complementarias.

Los puntos fuertes

Según la división por tercios de una escena, la confluencia de los tercios marcan unos puntos donde se hacen llamativos los objetos, llamados puntos fuertes. El centro es un punto fuerte. Es recomendable hacer coincidir los objetos con estos puntos.

Plano entero
El Plano entero (PE), también conocido como Plano Figura, encuadra la figura entera del personaje a fotografiar, desde los pies a la cabeza.
Plano americano
El Plano americano (PA), también denominado 3/4 (tres cuartos) o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.
Plano medio
El Plano medio (PM) recorta el cuerpo en la fotografía a la altura de la cintura. Es la distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.
Plano medio corto
El Plano medio corto (PMC) captaría el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.
Primer plano
El Primer plano (PP) recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.
Primerísimo primer plano
El Primerísimo primer plano (PPP) capta el rostro desde la base del menton hasta la punta de su cabeza. También dota de gran significado a la imagen.
Plano detalle
El Plano detalle (PD), recoge una pequeña parte de un cuerpo u objeto. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican por la distancia tan mínima entre cámara y sujeto/objeto. Sirve para enfatizar algún elemento de esa realidad.

El retrato, la foto más personal:

Aunque genéricamente hablamos del retrato como si se tratase invariablemente de la fotografía del rostro de una persona, su esencia va mucho más lejos. Un retrato implica la participación de muchos elementos y la perfecta armonía de todos ellos. Desde el equipo a emplear hasta la complicidad del modelo -profesional u ocasional-, debemos tener en cuenta que todos los detalles son esenciales y que el fallo de uno solo puede echar por tierra el resultado final. Y es que si hay una imagen que transmita un sentimiento, esa es un retrato.

Retratos los hay de muchos tipos. Pero es evidente que no es lo mismo un retrato en estudio con una top model y mucho dinero en equipo que el retrato del hijo recién nacido en la cuna del hospital o el del aldeano tailandés de nuestro último viaje. La diferencia técnica entre uno y otro puede ser abismal y, sin embargo, también es posible que el retrato de estudio sea mucho menos llamativo que los otros dos. Esto es así porque los elementos que intervienen en un retrato están hilvanados entre sí, compensándose mutuamente. Así, una carencia de iluminación, por ejemplo, puede subsanarse con una buena composición; del mismo modo, un buen atrezzo no puede competir con las carantoñas de un bebé.

Nikon D-100, f5.6, 1/60 s, ISO 400

Un buen feeling entre modelo y fotógrafo es -en ocasiones- más que suficiente para lograr que una carencia de medios no suponga un grave handicap para el resultado final. En esta ocasión, sólo se disponía del flash integrado para la toma.

Lo que en estas líneas vamos a tratar podemos llamarlo el retrato sencillo. Ciertamente, no es un nombre muy técnico, pero concuerda bastante con la realidad. A la mayoría de nosotros ya nos cuesta mucho adquirir una cámara digital aceptable para nuestras necesidades, por lo que pedir un estudio y flashes es algo poco menos que imposible. El retrato sencillo es el que hacemos en casa o en la calle, con un cierto nivel de improvisación y sin los medios idóneos. Sin embargo, no por eso vamos a obtener peores resultados. No sería la primera vez que decimos que lo que perdemos de un lado lo ganamos de otro. Y en esta ocasión no huelga decir que lo importante de la fotografía es el fotógrafo.

La esencia del retrato
Hoy vamos a concebir el retrato como la fotografía de un sujeto que abarca desde su rostro hasta la mitad del pecho, hasta aproximadamente un palmo sobre el ombligo. Evidentemente, esto no es una verdad absoluta -una fotografía de las manos también puede considerarse un retrato-, pero es un buen punto de referencia para iniciarnos.
Antes de empezar, tenemos que meternos, a modo de dogma, un principio entre ceja y ceja: los retratos, o bien son preparados, o bien son espontáneos -aunque todos aceptan un grado de improvisación. Si pretendemos hacer un retrato serio –por así llamarlo- necesitaremos un mínimo de preparación. En este sentido, será necesario asegurarse que el modelo tenga un semblante que se adecue a la óptica con la que queramos enfocar –en un sentido metafórico- nuestra composición. Con ello no pretendemos sugerir que sea necesariamente guapo, sino que venga predispuesto a pasarse -cuanto menos- unos minutos frente a la cámara. El fotógrafo, por su parte, deberá de tener previamente elegidos los puntos de vista; conocer el escenario, las poses que se van a pedir y el material necesario, etc. De nada sirve lamentarse por no disponer de un reflector plateado o quejarnos porque nuestro sujeto lleva una chupa de cuero para un recordatorio de comunión, si no podemos remediarlo.
El sujeto: centro de interés
El principio de un retrato suele consistir en ubicar el sujeto. Es conveniente emplear fondos no demasiado llamativos ni recargados que puedan distraer la atención -el sujeto es lo más importante- y, si es posible, situarlos fuera de enfoque.

Olympus E-20, f2.2, 1/80 s, ISO 80

Los fondos neutros son excelentes compañeros de viaje de los retratos. Sin embargo, un fondo demasiado oscuro puede confundirse con el cabello y crear un poco deseado efecto óptico en la toma.

Si hacemos la toma en exteriores es conveniente situar al sujeto de forma que la luz del sol no incida directamente en su cara. Un ángulo de unos 45 grados entre el sol y el modelo puede contribuir a generar unas sombras agradables en su rostro. Una iluminación muy picada, sin embargo, puede dar lugar a alargadas y antiestéticas sombras bajo los ojos y la barbilla. Resulta un ejercicio también interesante colocar el sujeto ante el sol, quedando así iluminados los bordes de la silueta a modo de halo de luz. Es imprescindible, entonces, rellenar la sombra de su rostro con un flash, dedicando, eso sí, una especial atención a las sombras creadas por atuendos como gafas o sombreros.

Nikon D-100, f4, 1/100 s, ISO 400

Gorras, gafas, cigarros y otros complementos representan un peligro para los retratos iluminados con luz de flash. La mejor forma de sortear esta dificultad es servirse de una luz rebotada -como es el caso- o de reflectores.

En este tipo de fotos es también relevante la elección de la hora. Resulta recomendable realizarlas al comienzo o al final del día, cuando la luz solar incide muy angulada con respecto al suelo y no genera sombras fuertes. Por otro lado, es especialmente recomendable elegir días parcialmente nublados, pues así podremos aprovechar un tipo de luz más homogéneo y blando.
La posición de las manos, los brazos y el tronco del sujeto fotografiado son otros de los elementos preponderantes en un retrato. Del mismo modo que el punto de vista frontal no es el mejor para capturar un rostro, un cuerpo erguido dista de ser la mejor postura para quedar inmortalizado. De hecho, muchas personas se esfuerzan por adoptar una pose atractiva, logrando generalmente un resultado opuesto al deseado. Para obtener una composición estéticamente agradable, es bastante útil sugerir al modelo que sujete algún objeto o que se apoye en algún lugar, pudiendo adoptar así distintas posturas que no resulten incómodas o forzadas. Sin embargo, hay que tener cuidado de que estos elementos no interfieran en el resultado final de la toma.

Olympus E-20, f3.2, 1/50 s, ISO 80

Para evitar poses complejas, antinaturales y antiestéticas es recuso común y efectivo permitir que el sujeto se apoye en algún objeto. Hay que tener cuidado, sin embargo, que dicho objeto, cuanto menos, no perjudique la composición global.

La principal parte del retrato se encuentra -en la mayoría de ocasiones- en el rostro del sujeto, ya que en él se concentran una parte sustancial de las expresiones corporales. Así pues, debemos tener en cuenta que la cámara y los ojos del sujeto han estar, para lograr un retrato estándar, a la misma altura. Cualquier punto de vista diferente podría implicar posturas forzadas que, en un principio, es preferible evitar.
Además, tenemos que prestar atención al enfoque. Aunque lo normal es no tener problemas de profundidad de campo -máxime si empleamos pequeñas compactas digitales-, es posible aunque poco probable que el enfoque pueda perderse ligeramente, sobre todo si utilizamos focales largas. Para evitar que la profundidad de campo se convierta en un error, lo mejor es mantener el punto de enfoque en los ojos del sujeto o, si no está de frente, en el ojo más cercano a nuestro objetivo.

Olympus E-20, f2.4, 1/80 s, ISO 80

El enfoque en los retratos es vital. En este caso, el punto de nitidez está en las gafas, no en los ojos –como hemos sugerido-, convirtiéndolas así en un elemento de distracción y restándole fuerza a la fotografía.

El retrato, la foto más personal
Ciertamente, tendemos siempre a emplear las mismas técnicas al fotografiar a todo tipo de "personajes"; unas técnicas que, si bien se basan en conceptos aplicables en todo tipo de retratos, están pensadas para personas de una edad determinada, con unas facciones determinadas y con una actitud determinada. Pensemos, si no, cómo le diríamos a un perro "sonríe", o cómo le pediríamos a un bebé que nos mire, o a un anciano que no se gire porque se le ven las patas de gallo.

Hemos de distinguir, pues, unos cuantos tipos de retrato que se apartan de lo que todo el mundo entiende –valga la redundancia- por retrato. Hay, por ejemplo, el retrato de animales, el de niños o bebés, el de personas mayores, y el retrato que no incluye el rostro o que se aleja de la línea general.

Olympus E-20, ISO 80, f2.4, 1/125 s

No es necesario que el retrato de una persona incluya su rostro, aunque sea la idea convencional que se tiene de una fotografía de este tipo.

Si, en la primera parte de este tema, comentábamos la importancia del punto de vista en la fotografía de retrato general, ahora vamos a descubrir que hay un tipo de retrato en que el punto de vista es mucho más importante: el de niños. Es evidente que los niños tienen un concepto del mundo diferente al nuestro; por lo menos, lo ven todo un metro -aproximadamente- por debajo de la mayoría de adultos. Por este motivo, siempre que hagamos fotografía de niños hemos de rebajar nuestro punto de vista hasta sus ojos. Esto, que parece sencillo, puede convertirse un caos si nuestro modelo está en actitud de libre albedrío. El hecho de tener el suelo tan a su alcance provoca que cualquier detalle de éste se lleve su atención, moviéndose imprevisiblemente y agachándose cada dos por tres.

Si conseguimos tener controlado a nuestro modelo, tendremos la ocasión de realizar excelentes tomas -cuidado con el flash, sus ojos son muy sensibles. La expresividad de un niño es terriblemente fuerte en cualquiera de sus vertientes -enfado, alegría, etc.-, por lo que no es necesario, o no suele serlo, forzar al niño con sonajeros o adminículos similares que lo único que suelen conseguir es distraer y estresarlo -esto también es aplicable al flash, insistimos, si abusamos de él. La mejor solución, aunque suene a verdad de Perogrullo, es dejarle hacer, y disparar y disparar. Siempre será mejor llenar una tarjeta que perder una toma. Utilizaremos focales largas, encuadrándole a una cierta distancia, dejando que el niño tenga libertad de movimientos y no se sienta agobiado.

Olympus E-20, ISO 80, f2.4, 1/160 s

La paciencia y una focal larga dan buenos resultados con niños. No se necesita mucho más para obtener un rostro muy expresivo.

Cuestión de luces
Los retratos de personas mayores también son especiales. La experiencia de toda una vida se refleja fácilmente en la mirada, por lo que la fuerza expresiva es relativamente fácil hallarla. El problema, si es que podemos llamarlo así, es encontrar la combinación de luces adecuada. El rostro de una persona trasluce el paso de los años. Aparecen arrugas, las imperfecciones se acentúan y los rasgos faciales toman más intensidad. Este tipo de retratos ganan mucho en blanco y negro, con luces duras y un alto contraste. Los microsurcos entre las arrugas generan una excelente combinación de luces y sombras, y la luz dura refuerza las señales propias de cada rostro.

Nikon D-100, ISO 400, f5.6, 1/200 s

Luces duras y una escala de grises son excelentes ingredientes para retratar personas de edad avanzada. Con estos elementos, conseguimos aumentar la expresividad del personaje.

El maravilloso mundo animal
Cuando hablamos de retratos animales, la cabeza se nos va rápidamente a nuestras mascotas más habituales, esto es, perros y gatos. Hay otros muchos animales que nos ofrecen su compañía, a pesar de que es muy difícil fotografiarles con acierto sin la ayuda de un equipo costosísimo. Estamos hablando de algunos bichejos que -en la mayoría de ocasiones- no nos hacen el más mínimo caso: peces, hámsteres, arañas, serpientes, conejos, pájaros... Los mejores resultados aparecen cuando tratamos con un animal que reacciona a nuestros estímulos, aunque también es muy gratificante esperar pacientemente a que un animal que está a su aire nos ofrezca una expresión interesante.
Debido a la naturaleza desconfiada de los animales, lo mejor es servirse de focales largas. De este modo, el sujeto en cuestión no se asustará con nuestra presencia, ni tampoco con el clic de la cámara -si lo hace. Por el mismo motivo, es más que recomendable tratar de usar el flash lo más mínimo.

Nikon D-100, ISO 400, f5.6, 1/60 s

El hecho de que no nos contesten no significa que los animales no nos comprendan. Tanto el odio como la alegría pueden transmitirse mediante una fotografía, si sabemos actuar de la forma adecuada.
Por último, siguen retándonos ese tipo de retratos un poco alejados de la línea que podríamos llamar ortodoxa. Aquellos en los que el rostro no aparece o lo hace parcialmente, o en los que la escena no es la esperada. Este tipo de tomas llaman muchísimo la atención por su rareza, y precisamente por eso es difícil realizarlas con buenos resultados. Además, en series fotográficas -books y similares- el abuso de este tipo de tomas es contraproducente; como se suele decir, lo poco agrada y lo mucho cansa.

TRABAJO:

1 AUTORRETRATO

1 DETALLE (FOTOGRAFÍA PLANO DETALLE)

1 RETRATO (DE LAS PAREJAS TOTAL 2 FOTOS) SU COMPAÑERO Y USTEDES!

Total fotografías (6) solo es en parejas los autorretratos y foto detalle deben tomar cada uno sus fotos.

La entrega sera igual, en sobres de manila debidamente identificados, POR FAVOR NO SEAN DESORDENADOS OCUPENSE UN POQUITO TAMBIEN EN LA PRESENTACION DEL SOBRE... sean creativos!

¡DISFRUTEN LA ACTIVIDAD....!

Partes de la cámara #2 - Enfoque, Obturador y Diafragma - Actividad clase del lun 5-05-2008

Clase del 30-04-2008

El enfoque: Es una de las capacidades más importantes de la cámara réflex, y es la que nos permite que la imagen que estamos fotografiando nos salga con la mayor nitidez posible. En la cámara esto se consigue manipulando el anillo de enfoque, este al girarlo después de haber escogido nuestro punto en la fotografía nos permite ver como esta se enfoca y se desenfoca. También en algunos equipos nos permite ver la distancia en metros y/o en pies que tenemos nuestro objeto, hay objetivos (lentes) en los que estos datos no aparecen.

Lo que si deben aparecer en todos es la distancia mínima de enfoque, o viene en alguna parte del objetivo dando la distancia mínima donde debe estar tu objeto, o se mide en la escala de distancia antes mencionada buscando la más pequeña (0.3Ft o mt), cuando acercamos demasiado el objeto se ve borroso y es imposible enfocar, así que funciona como el ojo humano.

En cámaras Réflex mecánicas, el enfoque se realiza a mano aunque contamos con un sistema que trae para ayudar a enfocar llamado (la lente partida de fresnel), este mecanismo rompe la imagen en dos y cuando enfocamos bien se une la imagen asegurándonos que está bien enfocada.

En las cámaras réflex digitales, este proceso se hace automático o usando la utilidad de autofocus, al apretar hasta la mitad el disparador de la cámara se oscurecerá la imagen y un rayo infrarrojo será responsable de hacer que la foto quede perfectamente nítida. Lo malo de esto es que además de ruidosos tienden a fallar si intentas enfocar en espejos y cristales. Allí es cuando debes agudizar tu vista y colocar el focus en manual, que se halla en un botón al lado del objetivo (lente).

¡CUIDADO Y NO CONFUNDAS!

La función del focus manual y/o la cámara manual con el autofoco…

-Puedes tener la cámara en manual y usar el autofocus para enfocar o tener la cámara en automático y enfocar manualmente (son cosas muy distintas que debes tomar en cuenta) CONSEJO: Nunca forces el anillo de enfoque con la opción de autofocus puesta porque puedes hacer un daño importante en el objetivo. Antes de guardarlo, si no vas a usar mas tu cámara quitale la opción de autofocus, colócasela en manual, para evitar daños.

Bloqueo del enfoque: Nos permite tener enfocado lo que más nos importa de la fotografía. Si movemos la cámara teniendo pulsado el autofocus y luego enfocamos a una persona, ésta podrá salir desenfocada, ya que en la opción o el movimiento tomo como prioridad el fondo de la foto y no a la persona que tenemos al frente. Si lo haces al revés, que colocas el autofocus con el disparador apretado hasta la mitad enfocando a la persona, y luego giras la cámara volviendo a donde está la persona, el fondo quedará movido y la persona quedará nítida.

Si colocas el autofocus en manual o en el caso de las cámaras mecánicas, no tendrás que apretar ningún botón, solamente, deben aprender exactamente qué es lo que quieren enfocar para que tu foto esté nítida.

* Objetivo. Es el encargado de formar una imagen del objeto sobre la película. Consta de una lente o conjunto de lentes fijas o móviles que determinan una distancia focal f con un plano focal muy próximo al de la película.

* Obturador. Es un dispositivo encargado de permitir el paso de la luz a la película durante un corto periodo de tiempo, que puede ser fijo o variable (suele ser del orden de las centésimas de segundo).

El Obturador

Existen 2 tipos de Obturador:

El obturador de plano focal, que tienen las cámaras Réflex, y el obturador central o de laminillas que tienen las cámaras de Visor Directo.
En las cámaras Réflex el obturador esta en el cuerpo de la cámara, delante de la película, por eso podemos cambiar los objetivos sin que se nos vele. Está compuesto por 2 cortinillas que se solapan entre si delante de la película mientras hacemos la exposición.
En las cámaras de Visor Directo, como tienen un objetivo fijo, el obturador esta dentro del objetivo por lo tanto en estas cámaras la luz no atraviesa el objetivo hasta que se realiza la exposición.

Velocidad de obturación

La velocidad de Obturación es el tiempo que se expone la película a la luz. Esto es controlado por el Obturador que también es el que controla el momento en que realizamos la foto.
Las velocidades de obturación pueden variar de acuerdo a las cámaras, pero generalmente van de la posición Bulbo "b" a 1/500.

Escala de Velocidades:
b - 1 - 1/2 - 1/4 - 1/8 - 1/15 - 1/30 - 1/125 - 1/250 - 1/500 – 1/2000

(un dosmilosavo de segundo 1/2000)

Si usas una velocidad de 30 o inferior es bueno que trabajen con trípode porque la imagen puede salir movida.

A las velocidades que estan entre b y 30 son velocidades de mucha luz, donde el obturador tarda mas en cerrarse y entra mas luz.

A las velocidades que están entre 60 y 2000 son velocidades de poca luz porque el obturador cierra tan rápido que no deja entrar casi luz a la película.

Bulbo (b): en esta posición el obturador permanece abierto todo el tiempo que este presionado el disparador. Podemos hacer exposiciones de varios minutos o también de horas, pero para eso necesitaremos un cable disparador para no correr el riesgo de mover la cámara con la mano, y además seria bastante incomodo estar horas (en caso de que sea necesario mucho tiempo) presionando el disparador de la cámara.

La profundidad del campo.

En la profundidad del campo intervienen tres factores: La abertura del diafragma, la distancia del motivo y la distancia focal del objetivo.

Profundidad del campo: La profundidad de campo es el rango de distancia en el cual los objetos en una foto se ven nítidos.

Cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos fotografiando, menor será la profundidad de campo.

La profundidad del campo, siempre aumenta cerrando el diafragma. Según algunos manuales de fotografía, se precisa que, con una abertura media del diafragma (normalmente de 8 y 11 en las cámaras analógicas), se obtienen las fotos más nítidas. Esto no quiere decir que esta regla pueda aplicarse a los objetivos más pequeños de las cámaras digitales.

Otra regla teniendo en cuenta la profundidad del campo, antes de realizar una fotografía, deberá centrarse donde se indica la zona de nitidez del sujeto.

La profundidad de campo varía con el tamaño de la abertura del lente, la distancia entre la cámara y el sujeto y la distancia focal del lente. La profundidad de campo es mayor a medida que:

1- El tamaño de la abertura del lente decrece.
2- La distancia al sujeto aumenta.
3- La distancia focal del lente decrece.

En algunas tomas necesitaremos la máxima profundidad de campo posible.

• Diafragma. Es una apertura variable que limita el haz de rayos que partiendo de un punto del objeto llega a la película.

Números F: 22 – 16 – 11 – 8 – 5.6 – 4 – 2.8 – 2 – 1.4 – 1

Cuando mayor es el número de los indicados números F, menor es la apertura del diafragma.

Lo mismo pasa con el obturador los diafragmas cerrados (llamados para pasar poca luz) van del 22 al 5.6.

Y diafragmas abiertos (llamados de mucha luz) van del 4 al 1

El Diafragma

El diafragma esta formado por un conjunto de laminillas que se abren o se cierran determinando que cantidad de luz va a recibir la película. Para fotografiar un sujeto oscuro se necesita una abertura mayor, y para objetos muy luminosos una abertura menor.

La apertura (o abertura) de diafragma que usemos afecta a la Profundidad de Campo, que es la nitidez que hay por delante y por detrás del sujeto enfocado. Se representa con la letra "f" seguido del número que corresponda, que es igual al cociente entre el diámetro de la abertura y la longitud focal del objetivo. También tiene que recordar que cuando se habla de una Apertura pequeña nos referimos a un número f mayor, y a una Apertura grande a un número f menor; como se ve en el gráfico.

RELACION DE LA VELOCIDAD CON EL DIAGRAGMA

Para que la película reproduzca una escena claramente, debe recibir la cantidad de luz adecuada, evitando la sobre y subexposición.

Bajo condiciones normales de iluminación poco importa emplear una velocidad de obturación elevada con una abertura grande o viceversa: en los dos casos, la película recibirá la misma cantidad de luz (un recipiente se llena con la misma cantidad de agua en poco tiempo y con un embudo ancho o en mucho tiempo y con un embudo estrecho).

En ocasiones el nivel luminoso determina la combinación velocidad - diafragma. Puede ser tan baja la cantidad de luz que no haya mas remedio que emplear una velocidad lenta y una abertura grande para que la exposición sea la correcta.

O tan alta la cantidad de luz, que haya que disparar a velocidad elevada y a la menor abertura.

Pero en la mayoría de los casos se dispondrá de una cantidad razonable de combinaciones. Una vez determinada la exposición, hay que decidir como va a interpretarse el sujeto. Tenga siempre en cuenta de que forma la profundidad de campo podría destacar una zona de las demás y piense en los posibles efectos del movimiento del sujeto o de la cámara.

Por ejemplo se puede tener como base, la información que viene dentro de la cajita de la película, donde puedes ver por medio de iconos que señalan la cantidad de luz que hay en día. Así, con una película ISO 100 (ASA 100), tenemos que nos da una velocidad que permanece constante, generalmente 250, y los diafragmas varían según la cantidad de luz, así tenemos (f=diafragma).

Trabajo:

El tamaño de las fotos para la entrega debe ser en 6x8

PLAN DE EVALUACIÓN Y CLASE DEL 28-04-2008

Plan de Evaluación:

Unidad I,II y Parte de la 3: Temas de esta unidad y actividades.

- La imagen, la composición fotográfica, la historia de la fotografía, el equipo fotográfico y los elementos de la toma.

Evaluación y actividades:

- Abertura del diafragma y velocidad de obturación. VALOR: 1 Punto

Entrega: Lunes 5 de mayo.

Este lunes se explicará la importancia del retrato, el autoretrato, se despejarán dudas del uso de la cámara y como hacer la técnica. (Importancia y uso de la luz natural en fotografía).

(Miércoles 8 de mayo no hay clases)

- Retrato y Autoretrato. Actividad en Parejas. VALOR: 1 ½ Puntos

Entrega: Lunes 12 de mayo.

Este lunes Conceptos de poder, importancia fotográfica e iluminación, calor, colores y elementos de la soledad. Más a cerca de la composición fotográfica.

(Miércoles 14 de mayo)

Este miércoles se explicará los factores del encuadre, tipos de encuadre y los géneros fotográficos y la producción fotográfica y se aclararán dudas.

- Encuadre y recreación fotográfica VALOR: 1 ½ Puntos

Entrega: Lunes 19 de mayo.

Este lunes se aclararán dudas a cerca del examen del miércoles 21/05 y se explicará la importancia del uso de la silueta, la sombra en la fotografía, la importancia de la arquitectura y el arte urbano en la fotografía, ficha de producción

Miércoles 21 de mayo.- EXAMEN ESCRITO 1RA UNIDAD VALOR: 3 Puntos

Este miércoles se aclaran las dudas a cerca de la práctica de la silueta fotográfica, forma en que debe entregarse, etc…

- Silueta fotográfica y arquitectura y el arte Urbano VALOR: 2 Puntos

Entrega: Lunes 26 de mayo.

TOTAL PUNTUACIÓN PRIMERA UNIDAD 9 PUNTOS

4 PRACTICAS ---------------- 30%

1 EXAMEN ESCRITO --------- 15%

Unidad III-2 y IV: Temas de esta unidad y actividades.

Este Lunes 26 de mayo, se explicará la importancia del maquillaje en la fotografía, historia del fotoperiodismo, ejecución del fotoperiodismo en nuestros días, el fotoperiodismo digital…

Miércoles 28 de mayo, se explicarán los lineamientos del trabajo de fotoperiodismo y cobertura de eventos noticiosos, además de eventos sociales y la importancia de la fotografía informativa.

- Fotoperiodismo, géneros fotográficos, y nota de prensa gráfica. VALOR: 1 ½ Puntos.

Entrega: Lunes 2 de junio.

Este lunes se explicarán las experiencias que tuvieron en la presentación del trabajo y se explicará la producción grafica digital y su producción.

Miércoles 4 de junio, explicación práctica para el lunes 9 de junio. Maquillaje y fotografía publicitaria, musical, artistica y gráfica.

- Practica con explicación anterior. VALOR: 1 ½ PUNTOS.

Entrega: Lunes 9 de junio.

Este lunes se explicará los principios del audiovisual y la producción audiovisual de la fotografía.

Miércoles 11 de junio. Guión fotográfico, pre-producción y producción.

TOTAL PUNTUACIÓN PRIMERA UNIDAD 3 PUNTOS

Trabajo grupal de 20% 4 puntos (trabajo que consistira en la producción de una historia para plasmarlo en la producción de fotografías de rodaje de fotofija)

Tentativos para la fecha entre el 11 y el 18 de junio.

TRABAJO FINAL portafolio .- 14 al 20 de julio.

Entrega de notas y firma del acta. 21 al 27 de julio.

CLASE DEL 28-04-2008

- La imagen, la composición fotográfica, historia de la fotografía, el equipo fotográfico y elementos de la toma.

El equipo fotográfico, ¿Qué cámara necesito?

Puedes usar cualquier cámara que pueda usarse o tenga la opción de Trabajo manual.

- Cámara réflex mecánica de 35mm

- Cámara réflex autofocus de 35mm

- Cámara réflex compacta y digital

¿Qué las diferencian?

Réflex de 35 mm: (A favor)

- Robusta y resistente.

- Con buenos objetivos (lentes) de serie.

- Puede funcionar sin pilas.

- La reparación de las averías son más baratas.

- Buenos sistemas de ayuda al enfoque manual.

- Accesorios siempre más económicos.

- Excelente precio a comparación a otras en el mercado.

(en contra)

- Si no se tiene práctica con ella el manejo puede ser lento.

Réflex autofocus de 35mm: (a favor)

- Buena ergonomía.

- Multitud de funciones.

- Variedad de programas, a parte del manual. (modo A ,S Y P)

- Buenos sistemas de medición de la luz.

- Gran cantidad de accesorios y posibilidades fotográficas.

- Enfoque electrónico muy rápido (autofocus).

(en contra)

-No realiza ninguna función sin pilas.

- Averías más costosas.

- Objetivos (lentes) de poca calidad.

Réflex compacta y digital: (a favor)

- Poder ver y eliminar la foto al momento.

- Ajuste múltiple de las sensibilidades de la película.

- Balance de blancos para la fotografía de interiores.

- Cómoda a la hora de hacer los encuadres.

(en contra)

- Poco recorrido de los anillos de diafragma.

- Poca variedad de accesorios fotográficos.

- Excesivo consumo de baterías.

- Poca autonomía.

- Son más costosas todavía.

Cómo tomar la cámara: enrollada en el brazo con la correa, colocando el cuerpo de la cámara en la palma de la mano, dejando los dedos libres para los objetivos y el foco. También puedes colocar la correa en el cuello para entonces cargar la cámara segura

Historia de la fotografía.

La Cámara oscura.

Antecedentes de la fotografía.

Expositores del movimiento fotográfico.

Partes de la cámara reflex mecánica y reflex digital.

Historia de la Fotografía:

Concepto de fotografía: (básico) es el proceso de grabar imágenes fijas sobre una superficie sensible a la luz basándose en el principio de la cámara oscura = es un instrumento óptico capaz de obtener la proyección plana de una imagen sobre la parte de su superficie interior. Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los equipos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras.

En general, la cámara oscura consiste en proyectar una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido y aumenta su nitidez. Para almacenar esta imagen las cámaras fotográficas utilizaban hasta hace un tiempo solamente la película sensible, mientras que en la actualidad se emplean también sensores digitales CCD y CMOS.

Volviendo al tema del significado o concepto de la fotografía, tenemos que esta palabra procede el griego phos que significa ("luz"), y grafis que significa ("diseñar"y/o "escribir"), el conjunto de todo significa "diseñar/escribir con la luz".

Es difícil establecer la paternidad de la palabra, y más difícil aún indicar con exactitud quien sea el inventor de la técnica misma, ya que ésta contó con una larga fase de preparación.

Antecedentes:

El primer antecedente de la fotografía se toma como referencia en la necesidad del hombre moderno de plasmar la realidad a través de una nueva forma de ver el tiempo, expresado con la ayuda de las cámaras y no de la expresión artística manual, como había sido hasta la fecha.

Cronología

1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo Da Vinci durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata (sales o haluros de plata radica en su sensibilidad a la luz, de modo que reaccionan al contacto con ésta. Las sales de plata sensibles a la luz son nitrato de plata, bromuro de plata, cloruro de plata y yoduro de plata. A las 3 últimas sales también se les conoce como haluros de plata), notando algunas de sus propiedades fotosensibles.

1558, Giovanni Batista della porta, por sus publicaciones sobre la cámara oscura se hizo popular entre los pintores de la época allí conoce a Gerolamo Cardano (médico y astrólogo) creador de la solución de la ecuación cúbica y sugiere una importante mejora: una lente en la apertura de la cámara.

1600, durante el siglo XVIII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Transformándose esta en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.

En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier ambos científicos y farmaceutas, revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz.

1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn ya la cámara estaba lista para la fotografía, pero tuvieron que pasar 130 años más para que pudiera dar los primeros frutos concretos, aún los químicos no estaban listos.

1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz en latín y alemán, en 1780 en inglés y un año más tarde en francés.

1801, pocos años antes de su muerte el inglés Thomas Wedgwood hizo los últimos descubrimientos en los procedimientos para capturar imágenes, pero hasta su muerte en 1805 no logró hacerlas permanentes.

Con todos estos antecedentes a grosso modo podemos decir que la fotografía debe gran parte de su desarrollo a Joseph Nicéphore Niépce, y que el descubrimiento fue hecho público por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, conocido también como Louis Daguerre, tras perfeccionar un tanto la técnica.

Antes de que el término fotografía se utilizara para identificar esta técnica de impresión química de imágenes, fue conocida popularmente como daguerrotipia.

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Técnico:

Cámara oscura: Fue utilizada antiguamente como ayuda para el dibujo. La imagen, proyectada sobre papel u otro soporte, podía servir de pauta para dibujar sobre ella. Posteriormente, cuando se descubrieron los materiales fotosensibles, la cámara oscura se convirtió en cámara fotográfica estenopeica (la que usa un simple orificio como objetivo). Estas cámaras estaban muy limitadas por el compromiso necesario al establecer el diámetro de la abertura: suficientemente reducido para que la imagen tuviera una definición aceptable; suficientemente grande para que el tiempo de exposición no fuera demasiado largo. El uso de lentes o juegos de ellas como objetivo convirtió definitivamente la cámara oscura en cámara fotográfica y desde ese momento fue evolucionando la cámara en diferentes épocas.

Es una suspensión, es decir, una colmatación de finos cristales sensibles a la luz repartidos en una gelatina o gel. Esos cristales sensibles a la luz son conocidos como sales o haluros de plata.

Tras la exposición a la luz los cristales suficientemente iluminados se transforman en plata metálica, y los demás todavía en forma de sales serán eliminados durante el proceso de fijación quedando así la emulsión estabilizada. Éste es el principio del negativo.

CCD: charge-coupled device: dispositivo de cargas [eléctricas] interconectadas, es un circuito integrado que contiene un número determinado de condensadores enlazados o acoplados. Bajo el control de un circuito interno, cada condensador puede transferir su carga eléctrica a uno o a varios de los condensadores que estén a su lado en el circuito impreso. La alternativa digital a los CCD son los dispositivos CMOS (complementary metal oxide semiconductor) utilizados en algunas cámaras digitales y en numerosas Webcam. En la actualidad los CCD son mucho más populares en aplicaciones profesionales y en cámaras digitales.

Historia parte 2

La Historia de la Fotografía inicia a principios de Siglo XIX, cuando en el año 1816 el científico francés Nicephore Niepce obtuvo las primeras imágenes fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se conserva es una imagen obtenida en 1826 con la utilización de una Cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata.

Niepce comenzó sus investigaciones, necesitando ocho horas de exposición a plena luz del día para obtener sus imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su proceso para la obtención de fotografías basado en la plata denominado Daguerrotipo, que resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Su procedimiento resulta ser el antecesor de la actual fotografía instantánea de Polaroid. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hypolite Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox Talbot se basaba en un papel cubierto con Cloruro de plata que es mucho más cercano al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que podía que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.

Por esos tiempos el Daguerrotipo era mucho más popular ya que era particularmente útil para los retratos, costumbre común entre la clase media burguesa de la Revolución Industrial. Es un hecho que gracias a la enorme demanda de estos retratos, mucho más baratos que los pintados, la fotografía fue impulsada enormemente.

Innovaciones técnicas y científicas

Daguerrotipo de 1837.

Para la captación de las imágenes se empleó la cámara oscura que sufrió constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las Lentes ópticas u Objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores de punta.

Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron el Daguerrotipo, el Calotipo, el Colodión Húmedo y el Gelatino-Bromuro. Éstos dos últimos son los que más evolucionaron el conocimiento fotográfico mediante una serie de mejoras en el Calotipo creado por William Fox Talbot. No deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que nos permiten concluir el camino hacia la Instantánea Fotográfica.

En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la Fotografía deben resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge.

La fotografía tuvo su auge comercial a partir de 1888 cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de 100 fotos circulares, y sobre todo debido a la industrialización del proceso de impresión de película fotográfica. Para el usuario de a pie, que 100 años después usa una cámara de usar y tirar, muy poco ha cambiado desde entonces, salvo que la fotografía en color se ha impuesto como estándar, y que las ayudas en el enfoque y el cálculo automático de la velocidad de exposición y apertura del diafragma son ahora habituales. Tal y como para los aficionados de la fotografía en blanco y negro prácticamente no ha cambiado nada desde la introducción en el mercado de la Leica 35mm en 1935.

La cinta de un Tartán. Primera fotografía en color. Tomada por James Clerk Maxwell realizando tres fotografías sucesivas cada vez con la lente tras un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla.

La Fotografía en color fue desarrollada durante el siglo XIX. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores se quedaran fijados en la fotografía. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861. Sin embargo, la primera película fotográfica en color - Autochrome - no llegó a los mercados hasta 1907. La primera película fotográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más modernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.